음악은 세계 문화의 중요한 부분이며, 세상이 없으면 훨씬 더 나빠질 것입니다. 음악 문화는 성격 형성의 수단이며, 사람의 세계에 대한 미적 인식을 교육하고, 감정과 소리와의 연관성을 통해 세상을 인식하는 데 도움이됩니다. 음악은 청각과 추상적 사고를 발달시키는 것으로 여겨집니다. 소리 조화의 이해는 수학을하는 것만 큼 음악에 좋습니다. 우리는 음악 문화의 형성과 발전에 대해 그리고 사람들에게 왜이 예술이 필요한지 알려줄 것입니다.
개념
음악은 인류의 삶에서 특별한 역할을합니다. 고대부터 소리는 사람들을 매료 시켰고, 그들을 트랜스로 끌어들였으며, 감정을 표현하고 상상력을 발달시키는 데 도움을주었습니다. 현명한 사람들은 음악을 영혼의 거울이라고 부릅니다. 그것은 세상에 대한 감정적 인식의 한 형태입니다. 그러므로 인류의 출현과 함께 음악 문화가 형성되기 시작합니다. 그녀는 처음부터 우리의 문명을 동반합니다. 오늘날 "음악 문화"라는 용어는 음악적 가치의 총체, 사회에서의 기능 시스템 및 재생산 방식을 의미하는 것으로 이해됩니다.
즉, 이 용어는 음악 또는 음악 예술과 같은 동의어와 함께 사용됩니다. 개인에게는 음악 문화가 일반 미학 교육의 필수 요소입니다. 그것은 사람의 취향, 내면의 개별 문화를 형성합니다. 이 예술 형태의 인식은 개인의 성격에 변형적인 영향을 미칩니다. 따라서 어린 시절부터 음악을 마스터하고 이해하고 인식하는 법을 배우는 것이 중요합니다.
이론가들은 음악 문화가 복잡한 복잡한 전체라고 믿습니다. 여기에는이 예술 형식의 스타일, 장르 및 방향을 탐색하는 능력, 음악 이론 및 미학 지식, 맛, 멜로디에 대한 정서적 반응 및 소리에서 의미 적 내용을 추출하는 기능이 포함됩니다. 또한이 단지에는 공연 및 작문 기술이 포함될 수 있습니다. 유명한 철학자이자 미술 이론가 인 M.S. Kagan은 음악 문화가 개별 차원, 즉 개인의 수준, 그녀의 지식, 이 분야의 기술, 그룹 수준뿐만 아니라 특정 하위 문화와 관련이 있으며 사회의 연령대. 후자의 경우, 과학자는 어린이의 음악 교육 및 개발에 대해 이야기합니다.
음악 기능
음악과 같이 복잡하고 중요한 예술 현상은 개인과 사회 전체에 매우 필요합니다. 이 기술은 여러 가지 사회적, 심리적 기능을 수행합니다.
1. 조형. 음악은 인간 성격 개발에 관여합니다. 개인의 음악 문화 형성은 발달, 취향 및 사회화에 영향을 미칩니다.
2.인지. 사람들은 소리를 통해 감각, 이미지, 감정을 전달합니다. 음악은 세상을 반영한 것입니다.
3. 교육. 다른 예술과 마찬가지로 음악은 사람들의 순수한 자질을 형성 할 수 있습니다. 음악을 듣고 창조하는 능력이 사람과 동물을 구별한다는 관점은 헛되지 않습니다.
4. 동원 및 초안. 음악은 사람의 행동을 자극 할 수 있습니다. 행진하는 멜로디, 사람들의 활동을 개선하고 꾸미는 노동 노래가 헛되지 않습니다.
5. 미적. 여전히 예술의 가장 중요한 기능은 사람에게 즐거움을주는 능력입니다. 음악은 감정을주고, 사람들의 삶을 영적인 내용으로 채우고, 순수한 기쁨을 가져옵니다.
음악 문화의 구조
사회적 현상이자 예술의 일부인 음악은 복잡한 형태입니다. 넓은 의미에서 구조에는 다음이 있습니다.
1. 사회에서 생산되고 방송되는 음악적 가치. 이것은 음악 문화의 기초이며, 역사적 시대의 연속성을 보장합니다. 가치는 우리가 세상과 사회의 본질을 이해할 수있게 해줍니다. 그들은 영적이고 물질적이며 음악적 이미지의 형태로 실현됩니다.
2. 음악적 가치와 작품의 제작, 저장, 방송, 재생, 인식에 대한 다양한 유형의 활동.
3. 다양한 유형의 음악 활동에 관련된 사회 기관 및 기관.
4. 음악의 창작, 배포, 공연에 관련된 개인.
작곡가 D. 카발 레브 스키에 대한 더 좁은 이해에서, 음악 문화는 "음악 능력"이라는 용어와 동의어입니다. 음악가에 따르면 음악 이미지를 인식하고 그 내용을 해독하며 좋은 멜로디와 나쁜 멜로디를 구별하는 능력이 나타납니다.
다른 해석에서, 연구중인 현상은 음악 교육 및 음악 개발에 표현 된 사람의 특정 속성으로 이해됩니다. 사람은 특정 건식을 가지고 자신의 취향과 미적 취향을 형성하는 특정 고전 작품을 알아야합니다.
고대 세계 음악
음악 문화의 역사는 고대부터 시작됩니다. 불행하게도, 최초의 문명에서 그들의 음악에 대한 증거는 없습니다. 의식과 의식의 음악적 반주는 인간 사회의 존재의 첫 단계부터 존재한다는 것은 명백합니다. 과학자들은 음악이 적어도 5 만년 동안 존재했다고 주장합니다. 이 예술의 존재에 대한 문서 증거는 고대 이집트 시대부터 나타납니다. 그 당시 이미 광범위한 음악 직업과 악기 시스템이있었습니다. 멜로디와 리듬에는 여러 유형의 인간 활동이 수반되었습니다. 이때 기록 된 음악 형식의 녹음 음악이 등장하여 소리를 판단 할 수있게되었습니다. 이전 시대부터 이미지와 악기의 유적 만 남아 있습니다. 고대 이집트에는 숭배를 동반 한 신성한 음악이 있었고 일과 휴식을 취하는 사람들도 동행했습니다. 이 기간 동안 미적 목적으로 듣는 음악이 먼저 나타납니다.
고대 그리스의 문화에서 음악은이 역사적시기에 가장 높은 발전에 이릅니다. 지금은 성악이 우세하지만 다양한 장르가 나타나고 악기가 향상되지만 음악의 본질과 목적을 개념화하는 철학 논문이 만들어집니다. 그리스에서는 뮤지컬 극장이 처음으로 특별한 종류의 합성 예술로 등장합니다. 그리스인은 음악의 영향, 교육 기능의 힘을 잘 알고 있었으므로 국가의 모든 자유 시민 이이 예술에 종사했습니다.
중세의 음악
유럽에서의 기독교 설립은 음악 문화의 특성에 큰 영향을 미쳤다. 종교 연구소에 봉사하는 거대한 작품들이 나타납니다. 이 유산을 신성한 음악이라고합니다. 거의 모든 가톨릭 성당에는 오르간이 있으며, 모든 성전에는 성가대가 있으며, 이 모든 음악은 하나님을 매일 섬기는 일의 일부가됩니다. 그러나 신성한 음악과는 달리 민속 음악 문화가 형성됩니다. 바흐 틴 M. Bakhtin이 쓴 카니발 원리입니다. 중세 후기에 세속적 인 전문 음악이 형성되었으며, 그것은 트루 바 두르에 의해 만들어지고 배포되었습니다. 귀족과 기사는 음악의 고객과 소비자가되지만 교회 나 민속 예술은 그들에게 적합하지 않습니다. 청각을 즐겁게하고 사람들을 즐겁게하는 음악이 있습니다.
르네상스 음악
삶의 모든 측면에 영향을 미치는 교회의 극복으로 그들은 새로운 시대의 시작으로 이어집니다. 이 시대의 이상은 고대의 예이므로 시대를 르네상스라고합니다. 이때 음악 문화의 역사는 주로 세속적 인 방향으로 발전하기 시작한다. 르네상스 시대에는 madrigal, choral polyphony, chanson 및 choral과 같은 새로운 장르가 나타났습니다. 이 기간 동안 국가 음악 문화가 형성되었습니다. 연구원들은 이탈리아, 게르만, 프랑스 및 네덜란드 음악의 출현에 대해 이야기합니다. 이 역사적시기의 공구 시스템도 변경되고 있습니다. 기관이 초기에 주요 기관 이었다면 이제는 현이 앞쪽에 있으며 여러 유형의 비올이 나타납니다. 건반의 속은 클라비코드, 하프시 코드 및 작곡가와 예술가의 사랑을 얻기 시작한 새로운 악기로 크게 강화되었습니다.
바로크 음악
이 기간 동안 음악은 철학적 인 소리를 내고 특별한 형태의 형이상학이되며 멜로디는 특별한 의미를 갖습니다. 이시기에 작곡가 A. Vivaldi, I. Bach, G. Handel, T. Albinoni가 작곡했습니다. 바로크 시대는 오페라와 같은 예술의 출현으로 특징 지어졌으며, 현재이 시대에는 오라토리오, 칸타타, toccates, 푸가, 소나타 및 스위트가 만들어졌습니다. 이것은 음악적 형태의 합병증 인 발견의 시간입니다. 그러나 같은 기간에 예술은 높고 낮음으로 나뉘어지고 있습니다. 민속 음악 문화는 분리되어 다음 시대에는 클래식 음악으로 받아 들여지지 않습니다.
고전주의 음악
무성하고 과도한 바로크는 엄격하고 간단한 고전주의를 제공합니다. 이 기간 동안 음악 문화의 예술은 마침내 장르와 장르로 나뉘어지고, 주요 장르에 대한 캐논이 확립됩니다. 클래식 음악은 미용실, 귀족의 예술이되었으며 미적 즐거움을 줄뿐만 아니라 청중을 즐겁게합니다. 이 음악에는 새로운 수도 인 비엔나가 있습니다. 이시기에는 Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn과 같은 천재가 등장했습니다. 고전주의 시대에 콘서트, 심포니가 나타나고 소나타가 재구성되는 형식의 클래식 음악 장르 시스템이 마침내 형성되었습니다.
18 세기 말 고전 음악에 낭만주의 스타일이 형성되었습니다. 그것은 F. Schubert, N. Paganini와 같은 작곡가로 대표되며, 낭만주의는 F. Chopin, F. Mendelssohn, F. Liszt, G. Mahler, R. Strauss의 이름으로 풍부 해졌습니다. 음악에서는 가사, 멜로디 및 리듬이 평가되기 시작합니다. 이 기간 동안 전국 작곡가 학교가 설립되었습니다.
19 세기 말에는 예술에 대한 고전 주의적 정서가 두드러졌다. 인상주의, 표현주의, 신고전주의, 도데 카포 니아가 나타난다. 세계는 새로운 시대에 접어 들고 있으며 이것은 예술에 반영됩니다.
20 세기 음악
새로운 세기는 항의 분위기로 시작되며 음악도 혁명적 인 변화를 겪고 있습니다. 제 1 차 세계 대전 후 작곡가들은 과거에 영감을 구했지만 오래된 형태에 새로운 소리를 내고 싶어합니다. 실험 시간이 시작되면 음악이 매우 다양해집니다. 고전 예술은 Stravinsky, Shostakovich, Bernstein, Glass, Rachmaninov와 같은 훌륭한 작곡가와 관련이 있습니다. 조화와 곡예의 개념이 나타나 조화와 멜로디의 개념이 완전히 바뀝니다. 이시기에는 음악 문화의 민주적 과정이 커지고 있습니다. 팝이 있고 일반 대중의 관심을 사로 잡으며 나중에 록과 같은 항의 음악적 움직임이 있습니다. 따라서, 다양한 스타일과 방향, 장르의 혼합을 특징으로하는 현대 음악 문화가 형성됩니다.
음악 문화의 현재 상태
20 세기 말에서 21 세기 초에 음악은 상업화 단계에 접어 들어 널리 보급 된 제품이되어 품질이 크게 떨어집니다. 이 기간 동안 악기의 기능이 크게 확장되고 전자 음악 및 디지털 악기가 전례없는 표현 자원으로 나타납니다. 학술 음악은 절충주의와 다형성에 의해 좌우됩니다. 현대 음악 문화는 거대한 패치 워크 퀼트이며, 장소와 아방가르드, 록, 재즈, 신고전주의 트렌드, 실험 예술을 찾습니다.
러시아 민속 음악의 역사
러시아 국가 음악의 기원은 고대 러시아 시대에 찾아야합니다. 서면 출처의 단편적인 정보만으로 해당 기간의 추세를 판단 할 수 있습니다. 당시에는 의식적이고 일상적인 음악이 널리 퍼졌습니다. 고대부터 차르에는 전문 음악가가 있었지만 민속 작품의 중요성은 매우 컸습니다. 러시아 사람들은 사랑하고 노래를 부를 수 있었으며, 가정 노래의 장르가 가장 인기가있었습니다. 기독교의 출현으로 러시아 음악 문화는 영적인 예술로 풍성해졌습니다. 교회 합창 노래는 새로운 보컬 장르로 나타납니다. 그러나 수세기 동안 전통적인 만장일치의 노래가 러시아에서 지배적이었습니다. 17 세기에야 다 포니의 국가 전통이 형성되었다. 그 이후로 유럽 음악은 장르와 악기로 러시아에 왔으며 민속 음악과 학술 음악으로의 차별화가 시작됩니다.
그러나 러시아의 민속 음악은 결코 그 입장을 포기하지 않았으며 러시아 작곡가에게 영감의 원천이되었으며 평범한 사람들과 귀족들 사이에서 매우 인기가있었습니다. 많은 클래식 작곡가가 민속 음악 수하물로 향한 것을 볼 수 있습니다. 그래서 M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Dargomyzhsky, I. Tchaikovsky는 그들의 작품에서 민속 주제를 널리 사용했습니다. 소비에트 시대에는 민속 음악이 주 차원에서 널리 요구되었습니다. 소련이 붕괴 된 후 민속 음악은 이념을 제공하는 것을 그만두었지만 사라지지는 않았지만 그 나라의 일반적인 음악 문화에서 고유 한 부분을 차지했다.
러시아 클래식 음악
정통파가 세속 음악의 발전을 오랫동안 금지해온 사실로 인해 러시아에서는 학술 예술이 꽤 늦게 발전하고 있습니다. 끔찍한 이반 (Ivan the Terrible)부터 유럽의 음악가들은 왕실에서 살았지만 작곡가는 없었다. 18 세기에야 러시아 작곡가 학교가 형성되기 시작했습니다. 그러나 오랫동안 음악가들은 유럽 예술의 영향을 받았습니다. 러시아 음악 문화의 새로운 시대는 최초의 러시아 작곡가로 여겨지는 Mikhail Glinka로 시작됩니다. 러시아 음악의 기초를 놓은 사람은 민속 예술에서 주제와 표현 수단을 그렸습니다. 이것은 러시아 음악의 국가 별 특징이되었습니다. 모든 삶의 영역에서와 같이 음악은 서양인과 슬라 보필 레스의 방향을 발전시켰다. 전자는 N. Rubinstein, A. Glazunov, 후자는 Mighty Handful의 작곡가였습니다. 그러나 결국 국가적 아이디어와 모든 러시아 작곡가가 다양한 정도로 승리했지만 민속 주제를 가지고 있습니다.
러시아 음악의 혁명 이전시기의 정점은 P.I. 차이코프스키의 작품으로 간주됩니다. 20 세기 초반에 혁명적 인 변화가 음악 문화에 반영되었습니다. 작곡가는 형태와 표현 수단을 실험합니다.
러시아 학술 음악의 세 번째 물결은 I. Stravinsky, D. Shostakovich, S. Prokofiev, A. Scriabin의 이름과 관련이 있습니다. 소비에트 시대는 작곡가가 아닌 공연가들에게 더 많은 시간이었습니다. 현재 뛰어난 제작자가 등장했지만 A. Schnittke, S. Gubaidulina. 소비에트 연방이 무너진 후 러시아의 학술 음악은 거의 완전히 공연에 들어갔다.
대중 음악
그러나 음악 문화는 민속 음악과 학술 음악만으로 구성되지는 않습니다. 20 세기에 대중 음악은 예술, 특히 재즈, 로큰롤 및 팝 음악에서 가장 큰 자리를 차지합니다. 전통적으로 이러한 방향은 클래식 음악과 비교하여 "낮음"으로 간주됩니다. 대중 음악은 대중 문화의 형성과 함께 나타나며 대중의 미학적 요구에 부응하도록 설계되었습니다. 오늘날 팝 아트는 쇼 비즈니스의 개념과 밀접하게 관련되어 있습니다. 이것은 예술이 아니라 산업입니다. 이러한 유형의 음악 제작은 예술 고유의 교육적이고 형식적인 기능을 수행하지 않으며, 이는 음악가들이 음악 문화의 역사를 고려할 때 대중 음악을 무시할 수있는 기회를 제공합니다.
